BRIXIA

Brixia

Roma e le genti del Po.

Un incontro di culture III – I secolo a.C.

Si è aperta a Brescia nel Museo di Santa Giulia fino al 17 gennaio 2015 una grande esposizione archeologica, con quasi 500 reperti. A cura di Luigi Mainati

 e Valentina Manzelli  (catalogo Giunti) dal titolo:

“Brixia. Roma e le genti del Po. Un incontro di culture. III – I secolo a. C.”

Nel 295 a. C. a Sentino, in una vallata nel cuore delle Marche, l’esercito di Roma e dei suoi alleati sconfiggeva in una battaglia incerta fino all’ultimo la coalizione di popoli italici guidata da Sanniti e Galli Senoni. Con quella vittoria Roma non solo affermava il suo dominio incontrastato sulla penisola, ma si apriva la via per la valle Padana.

È di pochi anni dopo la sottomissione del territorio Senone e la fondazione della colonia latina di Rimini. Nei due secoli successivi si avrà prima la definitiva conquista militare, nei primi decenni del II secolo, poi il graduale inserimento dell’Italia settentrionale nel sistema politico romano, concluso nel 49 a.C. con la concessione della cittadinanza.

L’obiettivo della mostra è illustrare il processo che vide protagonisti Roma e le genti del Po, tra il III e la metà del I secolo a.C., che si svolse attraverso fasi non solo di conflitto, ma anche di incontro e di integrazione: è il racconto per immagini di una straordinaria trasformazione storica e culturale, rappresentata da materiali eccezionali esposti nel percorso.

La mostra ricostruisce così, sullo sfondo della pianura del Po, area estesa tra gli Appennini e le Alpi e favorita in antico da una posizione privilegiata e dalla presenza di un grande fiume, la fisionomia sorprendente di un luogo d’Italia, che divenne vero laboratorio di integrazione tra etnie e culture diverse e cassa di risonanza del confronto fra cultura romana ed ellenistica.

Il percorso della mostra è articolato in 12 sezioni.

Nella prima dedicata ai protagonisti, il visitatore può collegarsi al quadro storico dell’epoca, ai suoi principali eventi e al volto di alcuni grandi uomini, politici e condottieri, che ne furono attori; si attraversa poi virtualmente il paesaggio che i romani si trovarono ad affrontare arrivando nella pianura (Prima Annibale,

sezione 2) e le popolazioni che lo abitavano, le loro tradizioni, i primi segni della loro apertura a messaggi culturali nuovi.

Tra le opere spicca il Busto fittile di guerriero da Ravenna, (Museo Archeologico Nazionale di Ravenna). La scultura in terracotta raffigura un giovane guerriero in nudità eroica, con balteo e clamide. Riferito al modello di Diomede tipo Cuma è il prodotto di un’atmosfera culturale profondamente ellenizzata. III secolo a.C.

La guerra ( terza sezione) è uno dei temi principali, rappresentato in mostra dal fregio di Telamone e da una serie di eccezionali esempi di elmi e di armature.

Ma attraverso la guerra cominciò a farsi strada sempre più incisiva la propaganda

Romana (sezione 4), una forma lungimirante di fidelizzazione attuata attraverso l’assimilazione di una nuova ideologia religiosa dei santuari sparsi nella città e nei territori, ancora vincolati a tradizioni locali.

Il Frontone di Telamone, (Museo Archeologico “Polveriera Gezman”), presenta un frontone in terracotta decorato con altorilievi che rappresentano il mito dei Sette contro Tebe; l’architrave e la cornice presentano motivi vegetali su cui correva una sima traforata; ai lati sono presenti acroteri con cavalli marini, mentre quello centrale, maggiore, è a palmetta traforata. Per alcuni il frontone sarebbe da collegarsi alla vittoria contro i Galli nella battaglia del 225 a.C., episodio di cui il rilievo rappresenterebbe la trasposizione in chiave simbolica. Fine III – metà secolo a.C.

L’esito di questi processi è rappresentato dalla Cisalpina in età repubblicana (sezione 5) con la nascita delle grandi città, ormai inserite in una rete viaria efficiente, che segnarono la definitiva romanizzazione della pianura attraverso l’adozione di modelli urbanistici e architettonici comuni, secondo precise esigenze ideologiche

oltre che funzionali.

I simboli della città (sezione 6) ne raccontano le diverse forme, espresse dai più importanti edifici pubblici aggregati intorno al foro, spazio urbano comune per eccellenza. Tra i più importanti, sotto l’aspetto simbolico, gli edifici del culto (sezione 7) spesso portatori nelle nuove forme architettoniche e nelle immagini di divinità il retaggio dei culti più antichi tradotto nelle forme dell’Ellenismo. La ricezione di questo nuovo linguaggio si manifesterà anche nel gusto privato, con dimore di pregio ornate da pavimenti, mosaici e arredi lussuosi.

Tra i capolavori, in questa sezione, spicca la Lastra architettonica con Dioniso e Arianna da San Lorenzo in Strada (Rimini, Museo della Città).

La raffigurazione rappresenta l’abbraccio tra Dioniso e Arianna. Probabile ornamento di un tempio, attesta la completa adesione a canoni artistici ellenizzanti. Metà del II secolo a.C.

Sintesi eloquente di questo straordinario incontro, in chiusura della prima parte della mostra, è il volto di Catullo. Un grande poeta (la voce dei poeti, sezione 12), di famiglia celtica, ma di raffinata cultura ellenistica, nato a Verona ma assai legato a Brixia. La sua voce accompagna il visitatore nella seconda emozionante parte del percorso, dove per la prima volta è possibile entrare nell’antico santuario di Brescia, luogo in cui i temi della mostra, la tradizione indigena e la nuova cultura ellenistica e romana trovano perfetta fusione.

Tra i capolavori di questa sezione appare, nella sua integrità, l’“Affresco da Sirmione”, (Antiquarium di Sirmione). Dipinto con figura maschile rappresentata all’interno di un quadro, abbigliata con tunica e toga esigua tipiche della tarda repubblica, adornate della fascia purpurea, segno di appartenenza all’ordine dei cavalieri; regge tra le mani un rotolo. Nella figura si riconosce l’immagine di un letterato, per il quale è stata suggerita l’identificazione con il poeta Catullo. I secolo a.C.

Maria Paola Forlani

ADRIAN PIPER

Adrian Piper

Vincitrice del Leone d’oro

Alla 56 Esposizione internazionale d’Arte

La Biennale di Venezia

<<All The World’s Futures>>

L’assegnazione dei Premi alla Biennale di Venezia diventano un momento d’oro per discutere e di percepire le varie valenze nella nostra epoca. Fra le circa centoventi biennali al mondo, Venezia è la prima e sola a essere un concorso ciclico con un meccanismo a premi.

Vincitrice di questa 56/ma edizione dell’Esposizione Internazionale, dal titolo <<All The World’s Futures>>, a cura del nigeriano Okwui Enwezor (1963), è Adrian Piper (New York 1948), protagonista della corrente concettuale e della performance, abile nell’intrecciare la pratica artistica con la ricerca in ambito accademico. Piper è una filosofa analitica che ha insegnato a Georgetown, ad Harvard e a Stranford, oggi al Wellesley College Massachusetts, professore emerito dell’American Philosophical Association e in assoluto prima accademica afroamericana in filosofia. Ama definirsi <<di razza mista, come tutti gli americani>>: è per 1/32 malgascia (del Magadascar), 1/16 nigeriana e per 1/8 dell’India dell’est (Delhi), oltre ad avere avi britannici e tedeschi. Alla fine degli anni sessanta, l’arte di Adrian Piper era classicamente concettuale. Agli esordi, sotto forma di pagine dattiloscritte, istruzioni e schemi, la sua opera rifletteva una conoscenza approfondita della linguistica e delle teorie semiotiche. Le concomitanti indagini sulla natura della consapevolezza sono state attentamente favorite anche da una metodica pratica di yoga e meditazione, che l’artista mantiene ancora oggi. Tuttavia, come risposta alle ripetute esperienze di razzismo e sessismo nel mondo maschilista dell’arte newyorchese degli anni sessanta, la pratica artistica di Piper è cambiata in funzione di un crescente impegno politico e il suo lavoro ha incarnato le strategie concettuali verso nuovi interrogativi su razza, genere e sessualità.

Piper studia di Kant e soprattutto di metaetica (Rationality and the Structure of the Self, I: The Humean Conception; Rationality and the Structure of the Self, II: A Kantian Coneption, Cambrige University Press, 2008), ha riflettuto sulle sfaccetature dell’identità attraverso gli sguardi e le azioni dell’altro. E sull’inestricabile sintesi, riguardo i problemi razziali, fra il colore della pelle e i tratti fisionomici, da un lato (natura), gli usi, i costumi (cultura) e la discriminazione dell’altro.

Nel 1973 Piper realizza Mythic Being, prima analisi dei processi di costruzione delle differenze razziali e di genere: appartiene a questa serie di lavori – alla cui base sta una complessa e progressiva spoliazione delle caratteristiche soggettive – una performance in cui l’artista recita un mantra tratto da una frase dei propri diari, mentre gira per le strade vestita da young black con pantaloni, occhiali scuri, parrucca afro e baffi, secondo gli stereotipi usuali. Confronto, alinazione, accettazione e differenza sono motivi esaminati sia come fenomeni sociali, che meccanismi interni alla stessa persona.

Due anni più tardi, Piper ha creato un suo alter ego maschile chiamato “Mythic Being”; si è esibita en travesti in tutta New York creando una serie di fotografie a collage e sovradipinte, abbinate a testi – riflessioni, slogan politici e civetterie – che hanno affrontato la performance di genere e gli stereotipi sulla sessualità nera.

Abituata a pensare che il personale è anche politico, nel 1981 Piper – mediando la percezione di sé con quella restituita dagli altri – disegna degli autoritratti in cui esagera visibilmente gli elementi fisionomici che appartengono allo stereotipo della razza nera, mentre in un’azione reiterata fra il 1986 e il ’90 – My Calling (Cards) –

distribuisce dei biglietti da visita con osservazioni esplicite sul razzismo – mettendoli a disposizione anche ad altre possibili vittime. Suscitare reazioni nel pubblico è l’effetto di molti dei suoi lavori: in Comerend – installazione del 1988 – Piper sfrutta la chiarezza della propria pelle per presentarsi su uno schermo mentre afferma di “essere nera”, un’asserzione contestata dall’apparenza, ma messa in dubbio anche dall’esposizione di due certificati di nascita del padre dell’artista, in cui afferma, in uno, la sua appartenenza alla razza bianca, nell’altro, a quella nera, il tema dell’appartenenza alla razza e la percezione dell’altro sono obiettivi prioritari.

Gli aspetti performativi e dialogici dell’arte odierna, valorizzati dalla giuria con questo premio, emergono nel lavoro presentato alle Corderie dell’Arsenale, The Probabile Trust Registry: una performance interattiva che teatralizza le dinamiche dei contratti sociali o personali. In un ambiente aziendale simulato, i visitatori possono firmare dichiarazioni in cui promettono responsabilità morale verso se stessi e gli altri. I documenti vengono poi fotocopiati e archiviati presso l’Apra /Adrian Piper Research Archive) Fundation, con sede a Berlino. Per Piper, All the World’s Futures

è ogni futuro imminente, a partire dalle promesse negli atti di sottoscrizione.

A questa performance si correla una serie di foto abrase e modificate (Everything Wil Be Taken Away Erasers). In ogni immagine è ripetuta, a stampatello, la frase del titolo, quasi come un promemoria. Piper espone inoltre quattro lavagne vintage, su cui vengono ripetute le stesse parole come fossero frasi di punizione in aula. Questa serie solleva diverse questioni, che vanno dalla sfera politica a quella spirituale, tra cui, ad esempio, la distruttività del conflitto globale contemporaneo, la censura nei media dominanti o l’ideale del non-attaccamento secondo lo yoga. Mentre le lavagne pregne di cancellature suscitano angoscia.

Tutto è destinato alla cancellazione e il primo segno, del resto, è una cancellazione (Italo Calvino). Sopravvive l’atto di tracciare, nella fugacità del suo divenire.

Maria Paola Forlani

In Principio...la parola si fece carne

In Principio…la parola si fece carne

Padiglione della Santa Sede

56. Esposizione Internazionale d’Arte

Biennale Arte 2015

Arsenale di Venezia – Sala d’Armi nord

La santa Sede partecipa quest’anno per la seconda volta alla Biennale d’Arte di Venezia, con un Padiglione ispirato al Nuovo Testamento. In Principio…la parola si fece carne è un tema scelto dal Commissario, il Card. Gianfranco Ravasi, Presidente del Pontificio Consiglio della Cultura, che ha voluto venisse sviluppato il tema del “Principio”, passando dal riferimento alla Genesi dell’edizione del 2013 a quello del Prologo del Vangelo di Giovanni. I due poli essenziali intorno a cui si articola la struttura del Padiglione, curato da Micol Forti, sono: innanzitutto la Parola trascendente, che è “ in principio” e che rivela la natura dialogica e comunicativa del Dio di Gesù Cristo (vv. 1 - 5); ad essa si unisce la Parola che si fa “carne”, corpo, per portare la presenza di Dio nell’umanità, soprattutto là dove questa appare ferita e sofferente (v.14). Con il loro “incrociarsi” la dimensione “verticale-trascendente” e quella “orizzontale-immanente” costituiscono il cuore della ricerca. Le due “tavole” del Prologo giovanneo sono dunque il fulcro della riflessione dalla quale prendono vita le opere dei tre artisti, individuati dopo una lunga selezione, secondo alcuni precisi criteri: la consonanza del rispettivo percorso col tema prescelto, la varietà delle tecniche artistiche, l’internazionalità e la diversità di provenienza geografica/culturale, e soprattutto il carattere ancora aperto e in evoluzione della loro ricerca.

Monika Bravo (1964), nata e cresciuta in Colombia, oggi vive e lavora a New York;

la macedone Elpida Hadzi-Vasileva (1971), attualmente vive e lavora a Londra;

il fotografo Màrio Maclau (1984), nato e cresciuto a Maputo, in Monzambico, dove abita.

Monika Bravo ha elaborato con sapienza e cura una narrazione scomposta e

ricomposta su 6 schermi e altrettanti pannelli trasparenti, posti su pareti potentemente colorate. In ogni composizione Natura, Parola – scritta e detta – e Astrazione artistica si presentano quali elementi attivi di una visione euristica, aperta ad un margine di indeterminatezza sperimentale nell’elaborazione di un nuovo spazio percettivo e di una pienezza sensoriale, attraverso il garbo e la “manualità” poetica con cui l’artista usa i media tecnologici.

Monika Bravo è partita, dunque, dalla Parola come origine della creazione e della storia e ha interpretato il concetto utilizzando un semplice sistema di proiezione. Le parole del prologo in greco antico, scomposte e ricomposte, sono proiettate su pannelli (circa quattro metri per quattro) sui quali si muovono immagini fisse di acqua, foglie, alberi, cielo. Tutto questo montato insieme in una stanza crea uno straordinario effetto di tessitura. Come un telaio sul quale sembrano riproporsi le forme e i colori tipici della tessitura colombiana. Le parole greche del Vangelo si intrecciano alle immagini come se fossero un ordito. L’idea è quella della Parola che nel farsi carne dona nuova forma, nuova sostanza, un nuovo ordine al Creato.

La ricerca della giovane macedone, Elpida Hadzi-Vasileva, fonde abilità artigianali, conoscenze scientifiche e una potente visione estetica. Per il Padiglione ha progettato un’istallazione monumentale, architettonica, il cui “tessuto”, quasi una pelle, un manto, accoglie il visitatore in una dimensione fisica e simbolica ad un tempo.

Realizzato con materiale organico di scarto, in un tragitto che dal rady-made

conduce al re-made, l’artista crea un drappo che è insieme ricamo e superficie, presenza fisica e trasparenza, strumento di suggestione e sorpresa.  Elpida vuole, materialmente, fisicamente, interpretare il concetto del Verbo che si fa carne e viene ad abitare in mezzo a noi. L’architetture da lei concepita è straordinaria, fatta, appunto, da interiora di animali, aperte, lavate e trattate in modo da realizzare delle funi e un tessuto trasparente e colorato dall’effetto suggestivo. Una storia che in questo caso prende vita e spunto, dall’Adorazione dell’Agnello mistico di Jan van Eyck.

L’agnello al centro, con le quattro stirpi che giungono dai quattro angoli della Terra per adorarlo. Il tutto in una sorta di stella a cinque punte che Elpida ha rappresentato come una grande tenda (la biblica tenda del Convegno) realizzata con un telo trasparente intessuto delle sottili pareti degli intestini incollati su di esso. L’intero ambiente è attraversato da funi, sempre realizzato con interiora di animali. Hanno colori diversi e rappresentano le genti che convergono, divergono, si incontrano, si dividono al cospetto dell’Agnello. Sono materiali di scarto, raccolti nelle macellerie e trattati in modo tale da costituire uno straordinario ricamo, un merletto attraverso il quale la luce passa donando al tessuto svariati colori. Un tessuto fatto di carne. Una carne di scarto trasfigurata dalla luce di Cristo.

La carne si fa storia, nella realtà restituita senza falsificazioni dal fotografo trentenne Màrio Macilau. La serie di 9 fotografie in bianco e nero, realizzate a Maputo, capitale del Monzambico dove l’artista è nato e lavora, sono dedicate ai ragazzi di strada che ancora bambini si trovano ad affrontare la vita come sopravvivenza.

Non si tratta di un reportage, ma un’opera poetica che ribalta i nessi tra l’Adesso e il Già stato, il Vicino e il Lontano, il Visibile e il Non-visibile. Il tema dell’origine e del fine di ogni atto artistico è portato dalla forza della composizione fotografica a confrontarsi con l’agonia del reale.

Maria Paola Forlani

La città dei musei. La città della ricerca

RESTAURO

XXII Edizione

Ferrara Fiere

6-9 Maggio

La città dei musei. Le città della ricerca

Con gli auspici del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo è stato promosso a partire da maggio 2015 il progetto internazionale “La città dei musei. Le città della ricerca”, con l’idea di un nuovo museo, il museo della viva conoscenza.

L’occasione del progetto nasce dalla ricerca del corpus mondiale degli smalti su rame detti veneziani del Rinascimento italiano promosso dal Département des Objets d’art de Musée du Louvre in collaborazione con Centre de Resauration des Musée de France e la Fondazione Giorgio Cini di Venezia, che ha consentito di mettere in campo sul territorio la presenza di uno dei più grandi musei del mondo insieme a istituzioni italiane di prestigio – presenza che può essere opportunamente indirizzata alla creazione di ulteriori scambi e progetti – dato il percorso già tracciato ad opera solo delle singole volontà e soprattutto dagli stessi temi e metodi di ricerca innovativi proposti ad ampio raggio, in chiave risolutamente interdisciplinare.

L’incontro di studio ed approfondimento, all’interno della Fiera del Restauro è stato introdotto da Letizia Caselli, responsabile scientifica del progetto internazionale “La città dei musei. La città della ricerca”.

Sono seguite le relazioni di Françoise Barbe. Le corpus mondial des émaux peints sur cuivre dits vénitiens de la Renaissance italiane, conservatrice, Département des Objets d’Art, Musée du Louvre de Paris

e Béatrice Beillard Les altérations des émaux avec une approche détaillée sur les émaux dits vénitiens du Musée du Louvre,

restauratrice al Musée du Louvre de Paris.

Ma le riflessioni più pregnanti sul “significato di museo” sono venute dal contributo di Tommaso Montanari, docente di storia dell’arte all’Università degli Studi di Napoli Federico II, da Giovanni Alliata di Montereale, nipote di Vittorio Cini e da un dibattito attento ed approfondito.

Da queste riflessioni nasce la necessità di considerare il museo come un’istituzione permanente senza scopo di lucro, al servizio della società e del suo sviluppo, aperta al pubblico, che effettua ricerche sulle testimonianze materiali e immateriali dell’uomo e del suo ambiente, le acquisisce, le conserva, le comunica e specificatamente le espone per scopi di studio, educazione e diletto.

È necessario ricordare che delle nove Muse nessuna presiedeva alla pittura, alla scultura o all’architettura: il museo prende il nome da un consesso che praticava la poesia in tutte le sue varianti, il canto, il mimo e il teatro, la scienza e la storia.

È l’uomo tutto intero, il vero progetto del museo. Le competenze specialistiche sono fondamentali: ma l’ago della bussola segue l’humanitas.

Il museo è un’istituzione politica, un elemento cruciale nella costituzione della polis.

E con le altre istituzioni politiche e religiose dell’Italia di oggi il museo condivide lo smarrimento, la confusione, a volte la corruzione, spesso il discredito.

Ma, proprio come loro, non può essere sostituito con qualcosa di meglio: come loro, per tornare a essere utile deve tornare a essere davvero istituzione. Indipendente, autorevole, obbediente solo alla scienza, alla coscienza, alla legge.

Il museo non è una mostra. Non è effimero. Non si smonta. Non apre a singhiozzo. Non deve essere fagocitato, occultato, distrutto dalle mostre che ospita, né spolpato da quelle che alimenta. Deve essere un indirizzo sicuro: dove un cittadino sa che può trovare le opere che cerca. Né può ridurre la sua attività didattica, alle mostre.

Forse in questo momento dovrebbe rifiutarsi di accoglierle, promuoverle, fornirle di opere. È un contesto intellettuale, non un’attrezzeria di scena.

Le opere dei musei sono uscite, faticosamente, dal circuito economico. Hanno un senso nuovo. Un senso che non si vende e non si compra. Un museo che presta le sue opere a pagamento non è un museo. Un museo che noleggia le sue sale a pagamento non è un museo. Non si può servire a due padroni.

In Italia i musei sono al servizio della sovranità del popolo, dell’uguaglianza sostanziale. Al servizio dell’integrazione e della dignità di tutti.

Al pubblico: non al privato. Come la biblioteca, anche il museo deve essere una piazza del sapere. Non un luogo dove si va una volta nella vita, per vaccinarsi: ma uno spazio pubblico aperto. Ai cittadini, prima che hai turisti. Un luogo dove i bambini possano crescere, gli adulti rimanere umani, gli anziani godersi la libertà.

Un luogo dove si va per vedere anche un’opera sola: come si va in biblioteca a leggere un libro. Il cuore vero del museo è la ricerca. Un museo che non fa ricerca è un deposito di roba vecchia. Il fine non è la tutela: la tutela è uno strumento per la conoscenza. Quella scientifica, che poi deve diventare diffusa. Un museo non è una discarica per politici trombati, presidenti di banca cacciati, giornalisti finiti, membri cadetti di grandi famiglie.

Un museo che non è guidato da un ricercatore è come un’aereo che non è guidato da un pilota. Il museo non può diventare opaco, non deve essere un feticcio, un idolo.

Il museo è un mezzo: più è trasparente, più funziona.

Nell’intervento di Giovanni Alliata la presentazione della Galleria di Palazzo Cini a Venezia, descrive, di fatto, un museo dinamico ed attivo, oltre che per le sue storiche e straordinarie collezioni d’arte antica, per la coraggiosa e  nuova apertura al contemporaneo. Ma, in questo contesto di mecenatismo, non bisogna dimenticare la straordinaria collezione di arte contemporanea, che raccoglieva Casa Cini di Ferrara, abitazione in cui Vittorio Cini era nato. Questo luogo che il conte Cini donò (come dice la lapide) ai giovani e alla cultura era diventato, oltre che vivace centro culturale un vero e proprio Museo, visitato e vissuto dalla cittadinanza e non solo, luogo di studio e di ricerca. Studio vuol dire amore, educazione vuol dire tirar fuori l’umanità che è chiusa nell’uomo, mentre il diletto è la dolcezza che ci avvince alla vita. Se un museo riesce a ridare a queste tre parole il significato etimologico, profondo: ebbene, quello è davvero un museo e “Casa Cini” di Ferrara lo era veramente.

Ma ora quel museo non esiste più, la diocesi ha preferito disperdere tutto quel patrimonio con le sue biblioteche e il suo intreccio d’amore.

Talebano. Così in Italia, è chiamato chi distrugge l’arte del passato – come i Talebani veri, quelli dei Buddha di Bamiyan- il patrimonio di Casa Cini e gran parte della sua storia è stato distrutto senza pietà…

L’onestà intellettuale ci comanda di mettere in chiaro

che oggi tutti coloro i quali vivono in attesa di nuovi

profeti e nuovi redentori si trovano nella stessa situazione

che risuona in quel canto della sentinella di Edom

durante il periodo dell’esilio, raccolto nell’oracolo di

Isaia:<< Una voce chiama da Seir in Edom: sentinella,

quanto durerà ancora la notte? E la sentinella risponde:

verrà il mattino, ma è ancora notte; se volete domandare,

ritornate un’altra volta>>. Il popolo al quale veniva

data questa risposta ha domandato e atteso ben più di

due millenni, e conosciamo il suo sconvolgente destino.

Ne vogliamo trarre l’insegnamento che anelare e attendere

non basta, e faremo altrimenti: ci metteremo al nostro

lavoro, e adempiremo << alla richiesta di ogni giorno>>

come uomini, e nel nostro lavoro.

Max Weber, La scienza come professione, 1917

Maria Paola Forlani